Die Mystery-Erzählung von Rike Behlau bildet die Grundlage für ein installatives Bildgeflecht aus Fotografien der kanadischen Fotografin Rebecca Hartery, Archivbildern, Fundsachen und einer akustischen Begleitung des Soundkünstlers Philipp Kohlmann. Die Arbeit verbindet Vergangenheit und Gegenwart, indem die Jahre 1917 und 2017 miteinander in Dialog treten.

In Milk & Water untersucht Timo Hinkelmann die unsichtbaren Kräfte, die unser Leben prägen. Milch und Wasser stehen dabei als Metaphern für den Weg von ursprünglicher Abhängigkeit hin zur vermeintlichen Selbstständigkeit.

Mit dem Ende biologischer Abhängigkeiten entstehen neue Bindungen: Konsum, Medien und gesellschaftliche Erwartungen beeinflussen unsere Wahrnehmung und Entscheidungen oft stärker, als uns bewusst ist.

Die Arbeiten bewegen sich zwischen Kindheit und Erwachsensein, zwischen Fürsorge und Selbstbestimmung. Sie laden dazu ein, über Zugehörigkeit, Identität und die Grenzen von Unabhängigkeit nachzudenken.

Milk & Water eröffnet einen sensiblen Blick auf die Frage, ob Freiheit ein erreichbarer Zustand ist – ein fortwährender Prozess.

In dieser Ausstellung erscheint der Vocho nicht als bloßes dokumentarisches Objekt, sondern wird zum Knotenpunkt deutscher Industriegeschichte mit ihrer Transformation im mexikanischen Kontext, verknüpft persönliche Erinnerungen mit kollektiven Erfahrungen und öffnet einen Raum zwischen Herkunft und Gegenwart. Aus diesen Überlagerungen entsteht ein vielschichtiges Bild von Identität – geformt durch Migration, durch Aneignung und durch die fortwährende Bewegung zwischen zwei Kulturen.

Der Künstler arbeitet dabei mit analogen und digitalen Fotografien, Collagen und Archivmaterial, das er auf Märkten in Mexiko-Stadt entdeckt hat. Aus Bildern, die beinahe vergessen waren, entwickelt er so eine vielschichtige Ausstellung. Dabei geht es nicht darum, Vergangenheit festzuhalten, sondern ihre Veränderlichkeit ästhetisch erfahrbar zu machen.

Martin Grobeckers Bilder loten jenen Geist des Gehässigen und Absurden aus, welcher sich spätestens mit der „Slopification“ des Cyberspace und der beschleunigten Zersetzung der materiellen Lebenswelt um sich greift. Aus jenem Schwall von Antiästhetik, destruktiven Kausalitäten des Alltäglichen destilliert der Künstler daraus einen bildnerischen Konzentrat – zwischen Kitsch und vulgärem Schauer, zwischen flachen Kalauer und dunkler Poesie.

Zwischen Dunkelheit und Licht entfalten sich Graubereiche als Territorien des Ungewissen.

Im Winter, wenn die Sonne tief steht und die Dämmerung die Konturen verwischt, entstehen Zwischenzustände: Ein gedämpftes Tempo, eine unterkühlte Schwellenzeit, in der sich Dunkelheit und Nässe verbinden. Dieses diffuse Licht transformiert Grautöne zu Bereichen des Imaginären – Räume, die zwischen Präsenz und Abwesenheit oszillieren.

Die Ausstellung GRAUBEREICHE versammelt Positionen aus Zeichnung, Objekt und Fotografie, die zwischen Schwarz und Weiß ein Spannungsfeld erzeugen. Hier wird Grau nicht als Mangel oder Leere verstanden, sondern als ein Feld der Differenz, das Endlichkeit dehnt und Raum für Reflexion, Unsicherheit und Sehnsucht öffnet.

Acht Künstler:innen aus den Ateliers an der Schulenburger Landstraße in Hannover-Hainholz bringen ihre individuellen Perspektiven in diesen Schwebezustand ein. Ihr Arbeitsumfeld – ein urbanes Geflecht aus Industrie, Wohnraum, Brachen, Asphalt und Backstein – bildet selbst einen Graubereich. Die hier entstandenen Werke befragen das Dazwischen, machen fließende Grenzen sichtbar und setzen das Grau als offenes Möglichkeitsfeld in Szene.

Die Ausstellung porträtiert urbane Räume der Zukunft als lebendige, atmende Strukturen. Gebäude werden zu hybride Wesen jenseits klarer Kategorien und eröffnen neue Möglichkeiten des Zusammenlebens. Pia Danner verbindet die Erfahrungen aus ihrer Arbeit als Grafikerin und Architektin mit persönlichen Ge

Falten, Drucken, Entfalten – diese Prozesse sind mehr als nur materielle Transformationen. Sie sind Bewegungen, die zwischen Struktur und Auflösung, Ordnung und Zufall oszillieren. In der Ausstellung "Strukturen im Fluß" erkunde die Künstlerin die Schnittstellen zwischen Druck, Buchstruktur und Raum und hinterfragt, wie sich Bilder und Materialien entfalten, verändern und neu formieren. Ein wiederkehrendes Motiv ist die Fliege, die sich durch die Serie "To Know a Fly" zieht. Sie steht für das Flüchtige, das Störende, aber auch für das Unaufhaltsame – ein Wesen, das sich konstant in Bewegung befindet.

Wie Gebäude durch Nutzung, Verfall oder Umbau ständig transformiert werden, so befinden sich auch ihre Arbeiten in einem offenen, prozess-haften Zustand. „Entfalten“ ist kein Abschluss, sondern eine fortlaufende Bewegung – ein immerwährender Zustand zwischen Struktur und Auflösung, zwischen Sichtbarem und Verborgenem

FREELENS Young Professionals

Tauche ein in die faszinierende Welt der Berliner Künstlerin Claire Uff, bei der die größte Freude in den scheinbar kleinen Dingen liegt. Der einfache Glücksmoment, bewahrt in einer vor Frische nur so protzenden Farbwelt, soll Dir Appetit auf Deine eigenen kleinen Wonnemomente machen.

Präsentiert wird das Projekt „Piedemonte“ des kolumbianischen Künstlers Gabriel Corredor Aristizábal. Anhand seiner Fotografien sowie Bilder aus dem Familienarchiv, die mit einer künstlichen Intelligenz bearbeitet wurden, reflektiert der Künstler Erfahrungen, die seine Kindheit geprägt haben: kontrollierende Eltern, relative Isolation und die allgegenwärtigen Erzählungen über politische Gewalt. Im Vordergrund stehen dabei die Fragen wie (Angst-)Erfahrungen von Generation zu Generation weitergegeben werden, sich in Orte einschreiben und Teil des Familiengedächtnisses werden.

Formen sind die Bausteine von allem, was wir sehen. Sie sind grundlegend und universell.

In Soyeon Ans Arbeiten finden sich primitive, grundlegende und geometrischen Formen wie Dreiecke oder Kreise. Als Keramikkünstlerin bedient sie sich verschiedenster Bearbeitungstechniken und Materialien. Ihre Objekte entstehen auf der Drehscheibe oder werden direkt von Hand zusammengesetzt. Dabei spielt das Zusammenspiel von Licht und Schatten eine existentielle Rolle…

Ich kreise um mich. Ich arbeite mich an meiner Entfremdung und Objektifizierung meiner Körperlichkeit ab und erforsche deren Herkunft, setze den, zum Teil angewiderten, in jedem Fall schamvollen Blick auf mich selbst über Dellen, Falten, hängende Hautlappen, ausgebeulte Rücken in den Kontext des gesellschaftlichen Drucks, schön sein zu müssen und daran zu verzweifeln. Jede Farbschicht der durchscheinenden Häute hat eine von mir mehr abgetragen. Ich male mich. Gebe jedem Aspekt meiner Körperlichkeit ein Gesicht. Bin grausam ehrlich und fühle, …

Bilder aus dem Familienarchiv: Der mexikanische Fotograf Irving Villegas präsentiert im Kwartier Nord zum ersten Mal sein interdisziplinäres Fotoprojekt »Recordar es vivir – Erinnern ist leben«. Der studierte Dokumentarfotograf bringt Fotos von verstorbenen Verwandten vom Dachboden seiner Mutter in neuer Form ans Licht und experimentiert mit verschiedenen Collagetechniken. In dieser sehr persönlichen Arbeit eröffnet Irving Villegas einen Dialog über das so rätselhafte Thema »Tod und Leben«, das in Mexiko jedes Jahr auf sehr farbenfrohe Weise gefeiert wird. Dazu paart er Fotos mit …

Unter dem Titel „Entdeckungen“ präsentiert Edin Bajrić seine neusten Bilder, die oft intuitiv und nur in einer Sitzung entstanden sind. Er selbst betrachtet sie als Energiebündes des Moments. Ein Gewimmel von Linien fügt sich während des Zeichnens zu einem einzigen Körper zusammen. Farbe, Form und Komposition sind Ursprung reiner Reaktionen auf das schon Vorhandene und Sichtbare auf dem Papier. Abgespeicherte Naturbeobachtungen, die sich aus reiner Bewunderung ergeben haben, werden für diese Arbeit Stück für Stück aus dem Bewusstsein abgerufen.

Flawless Existence — AMELIE ROOK